Expressionismo

A principal característica da pintura expressionista foi a deformação da realidade sob a óptica dos sentimentos. Já não se procurava imitar o modelo da natureza ou o objeto real. Havia uma realidade ainda mais importante: a da visão subjetiva do artista.Para o grupo Der Brücke (A Ponte), os temas centrais eram as paisagens de policromia exacerbada e o corpo humano sintetizado em poucas linhas.
O que mais se destacaram em suas obras foram a agressividade da cor e a falta de tranqüilidade das formas. Sua preocupação era reformular os temas impressionistas. Os artistas do Die Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul) usaram as teorias musicais para conseguir composições de colorido harmonioso e formas totalmente abstratas. Para os expressionistas vienenses, ao contrário, o tema central era o resgate do feio como novo valor estético.
Com o expressionismo, conceitos como deformação da realidade, expressividade da cor e abstração das formas passaram a ser os novos princípios da arte. Os princípios plásticos enunciados pelo expressionismo marcarão a estética de todas as disciplinas artísticas que vão surgir mais adiante, no século XX.
Enciclopédia Multimídia da Arte Universal, Alphabetum edições multimídia



MADONA - EDVARD MUNCH1894/5. óleo sobre tela. 91 cmX71 cm. Nasjonalgalleriet, Oslo

Uma sensualidade misteriosa nos atrai para esta vibrante pintura da Madona, audaciosamente representada num pose de nu abandono. Perturbadoramente provocante, ela exala uma sexualidade desafiante, mas também há um sentido subjacente de tragédia em seus cabelos e olhos escuros. O fundo em torvelinho, tempestuoso, parece evocar uma alma atormentada. A própria vida de Munch foi marcada por morte, doença e crises nervossas. Nascido na Noruega, ele começou sua carreira pintando de maneira mais convencional, mas logo se interessou pelas obras de Vincent van Gogh e Paul Gauguin. Em vez de pintar o mundo à sua volta, passou a tentar expressar através da arte seus mais íntimos sentimentos e desejos. A energia frenética e as paixões efervescentes de suas pinturas intensas fizeram-no o fundador do estilo conhecido como Expressionismo, em que distorções emocionais e cores exageradas são utilizadas para atingir o máximo de expressividade.
Bibliografia: O livro da Arte, Martins Fontes


O GRITO ( 1893 ) - EDVARD MUNCH
O maior pintor norueguês e mais importante inspirador do movimento expressionista alemão foi Edvard Munch ( 1863 - 1944 ). Munch foi sempre um marginal, pensativo e melancólico, que chamava seus quadros de "filhos ". Sua neurose tem início numa infância traumática: a mãe e a irmã mais velha morreram de tuberculose quando era pequeno e ele foi criado pelo pai, que era um fanático religioso. Munch tinha tanto medo do pai que exigiu que "Puberdade", seu primeiro nu, permanecesse coberto numa exposição em Oslo, a que seu pai compareceu. Sua mais famosa obra, "O Grito", representa o medo intolerável de perder a razão. Nesse quadro, cada linha oscila, se agita, trazendo ritmos turbulentos, sem sossego para o olho. "Acima do fiorde azul-negro", Munch escreveu sobre "O Grito", pairam nuvens vermelhas como sangue, vermelhas como línguas de fogo". O quadro ficou tão famoso que hoje é praticamente um clichê de alta ansiedade, mas quando a pintura apareceu causou tanto tumulto que a exposição foi fechada.
Bibliografia: Arte Comentada, Carol Strickland, Ediouro


MULHER NUA - EGON SCHIELE
As imagens intensas e distorcidas de Schiele são inflexíveis na expressão de sentimentos humanos. Profundamente afetado pelas explorações do inconsciente, a obra de Schiele dava forma a sua próprias ansiedades e inseguranças. Sua carreira foi breve, e muitas de suas obras contêm sexo explícito, o que levou o artista à prisão por "fazer desenhos imorais". A aguda intensidade nervosa de seu estilo tornou-o um dos mais importantes pintores expressionistas, embora ele nunca tenha se identificado formalmente com o movimento. Schiele morreu prematuramente de influenza, no momento em que seu trabalho começava a ser reconhecido.

OS GRANDES CAVALOS AZUIS - FRANZ MARC ( 1880 - 1916 )
Três cavalos azuis e roliços dominam o primeiro plano de uma paisagem montanhosa. A utilização de cores luminosas e a representação de animais como símbolos de uma força vital e como projeções da imaginação do artista fazem desta imagem uma das mais memoráveis de Franz Marc. Na maneira como utiliza cores e símbolos para expressar os sentimentos íntimos do artista, este é um exemplo da obra dos artistas do grupo expressionista chamado " Der Blaue Reiter" ( O cavaleiro azul ). Kandinsky e Marc inventaram esse nome, porque Marc gostava de cavalos. Kankinsky gostava de cavaleiros e os dois gostavam de azul. A maioria dos quadros de Marc era de cavalos de cores fortes, mas a partir de 1912 sua obra tornou-se mais abstrata. Tragicamente, ele foi morto em Verdun, em 1916.

segundo grupo da vanguarda expressionista alemã se chamava CAVALEIRO AZUL ( Blaue Reiter ), em homenagem a uma quadro de seu líder, Wassily Kankinsky ( 1866 - 1944 ). Fundado em Munique por volta de 1911, tinha entre seus artistas mais importantes Kandinsky e o pintor suíço Paul Klee ( 1879 - 1940 ). Apesar de ter se dissolvido quando estourou a Primeira Grande Mundial, em 1914, o grupo gerou um efeito duradouro devido à passagem de Kandinsky para a pura abstração.

EXPRESSIONISMO FIGURATIVO DA METADE DO SÉCULO XX

Mais que um rosto bonitinho.

FRANCIS BACON

Cabeça entre os quartos de um boi esquartejado - FRANCIS BACONInstituto de Arte, Chicago.
Embora as fontes de inspiração e os temas de Bacon muitas vezes se baseassem em imagens reais ou tradicionais - antigas obras- primas da pintura, fotografias de jornais, fotos de cenas de filmes ou raio X, por exemplo -, o tratamento que lhes dava era chocantemente perverso. Como nesta pintura, ele destacava as profundezas abomináveis e às vezes repugnantes da psique humana, com intensidade horripilante. Embora suas primeiras obras tenham sido comparadas às do artista Graham Sutherland, Bacon acabou por desenvolver sua linguagem própria, tornando-se mais conhecido por suas distorções frequentemente aterradoras da forma humana.
Bibliografia: O livro da Arte; Martins Fontes.

JEAN DUBUFFET

Vida Agitada - JEAN DUBUFFETTate Gallery, Londres
Esporadicamente ligado ao movimento de Arte Informal, Dubuffet acreditava que havia mais verdade na arte pura e criativa dos insanos e amadores do que no artista profissional. De fato, ele cunhou o termo ART BRUT ( arte bruta ), para designar o tipo de arte criada pelos psicóticos, crianças e pessoas incultas. As peças de Dubuffet com frequência eram ridicularizadas pelo público e pela crítica, e chegaram a ser atacadas fisicamente numa exposição em Paris, em 1946. Apesar dessas reações adversas, ele acabou se tornando um artista respeitado.
Bibliografia: O livro da Arte; Martins Fontes.

WILLEM DE KOONING

Marilyn Monroe - WILLEM DE KOONINGColeção R R Neuberger, Nova York
O caráter exibicionisa e um tanto leviano da espantosamente bela estrela de Hollywood é captado aqui. A tinta foi aplicada em gestos rápidos e fortes para construir a imagem camada por camada. Esta pintura, de uma série intitulada "Mulheres ", pertence a uma fase não abstrata, ou figurativa, de De Kooning. Ele reconhece que, como todos os símbolos sexuais femininos, Monroe frequentemente é vista mais como um objeto do que como um pessoa, e retrata-se quase como uma manequin de vitrine, com nenhum traço de erotismo. De Kooning eenvolveu-se com o Expressionismo Abstrato baseado em Nova York, que acentuava a importância da espontaneidade e da pintura "gestual ", em que a tinta é esborrifada ou pingada na tela. Diferentemente de muitos membros do grupo, no entanto, De Kooning não se restringiu à pura abstração; seu tema primordial foi a figura humana, particularmente a feminina. Sua carreira artística passou por várias fases, e na década de 1970 , ele se voltou para a escultura figurativa.
Bibliografia: O livro da Arte; Martins Fontes.

EXPRESSIONISMO ABSTRATO

Da América para a Europa


O Expressionismo Abstrato foi um movimento que floresceu em Nova York a partir de 1940 e acabou exercendo forte influência sobre a Europa nas décadas de 50 e 60 desse século
Foi o primeiro movimento que seguiu o caminho inverso do tradicional: em vez de seguir da Europa para a América, foi da América para a Europa.

Entretanto, esse termo já era utilizado para alguns trabalhos de Kandinsky, em especial os do começo de sua carreira.

KANDINSKY (Vassili), pintor francês de origem russa (Moscou, 1866 – Neuilly-sur-Seine, 1944). Um dos iniciadores da pintura abstrata.
Anunciava o surgimento de uma arte "verdadeiramente norte-americana", com forte domínio do subconsciente.

Guiados pelo automatismo
O automatismo, conceito forte em movimentos como o Surrealismo, aqui também encontra-se presente, principalmente na forma das Action Paintings) e tinha, entre seu principal expoente, Jackson Pollock.
AUTOMATISMO s.m. Caráter do que é automático. / Falta de vontade própria. / Diz-se de uma atividade literária, em que o autor se deixa levar exclusivamente pelo subconsciente.
As principais características do Expressionismo Abstrato eram a revolta contra a pintura tradicional, a liberdade e a espontaneidade.
Quanto à espontaneidade, em especial, as Action Paintings de Pollock - outro nome pelo qual é conhecido o Expressionismo Abstrato, ou seja, um método de pintura que privilegiava a rapidez da execução, a espontaneidade "eruptiva" e condenava a premeditação - são bastante bem sucedidas.


JACKSON POLLOCK

Alquimia - JACKSON POLLOCKColeção Peggy Guggenheim, Veneza
O violento método utilizado por Pollock de respingar e manchar a tela com tinta por meio de gestos dramáticos e impetuosos é extraordinariamente evidente neste quadro. Ele derramava e espalhava a tinta, usando estiletes e espátulas, sobre uma tela não estirada, apoiada na parede ou no chão duro. Isso possibilitava que ele andasse à volta de tela, quase que se tornando o próprio gesto de pintar.
A técnica extremamente inovadora de Pollock tornou-se conhecida como Action Paiting. Elementos radicais, como o abandono da pintura de cavalete e a ausência da perspectiva tradicional, fazem desta obra um importante marco da arte internacional do pós-guerra. Seu vínculo com o Expressionismo Abstrato reside em sua técnica enérgica e na liberdade de expressão. As pinturas de Pollock não são tão casuais quanto poderia parecer. "Quero expressar meus sentimentos mais do que ilustrá-los... Eu posso controlar o fluir da tinta; não há acaso, assim como não há começo nem fim. "Pollock morreu num acidente de automóvel, em 1956.

MARK ROTHKO

Arroxeado, verde e vermelho - MARK ROTHKOColeção particular
Extensões retangulares de cores intensas flutuam pela tela. Suas bordas borradas fazem com que as massa de cor pareçam vibrar, com uma qualidade nebulosa e mágica. Uma luminosidade etérea banha o quadro, dissolvento toda a tensão entre formas e constrastes de tons num brilho interior. Reservadas embora profundamente evocativas, as obras de Rothko dão a sensação de conterem uma verdade veemente, como se representassem a concretização de uma longa e árdua meditação. Nascido na Rússia, Rothko emigrou para os Estados Unidos com seus pais em 1913. Em boa parte um pintor autodidata, geralmente trabalhava em grande escala. Pretendia fazer o espectador mergulhar numa experiência total da cor e disse: "Pinto quadros grandes porque desejo criar um estado de intimidade. Um quadro grande é uma transação imediata: leva-nos para dentro dele".
Rothko foi uma figura importante do Expressionismo Abstratao, e suas telas sem forma evocam o verdadeiro espírito do movimento - uma resposta final aos mistérios inacessíveis da psique humana.
Bibliografia: O livro da Arte; Martins Fontes.

FRANZ KLINE

Chefe - FRANZ KLINEMuseu de Arte Moderna, Nova York
Kline inspirou-se nas técnicas de ilustração gráfica e nos enormes fragmentos de vigas, trilhos de ferrovias, andaimes e pontes em vias de construção ou de demolição em Nova York. Sua vinculação ao movimento do Expressionismo Abstrato americano, do qual Kline foi um representante dos mais importantes, mostra-se pelos gestos espontâneos das pinceladas enérgicas, embora simples. Kline foi influenciado pelo grafismo oriental e, normalmente, limitava seu esquema de cores ao preto, branco e cinza. Mas por volta de 1959 passou a incorporar cores vivas a suas obras.
Bibliografia: O livro da Arte; Martins Fontes.

ARSHILE GORKI

Cascata - ARSHILE GORKITate Gallery, Londres
Esta pintura aparentemente abstrata baseia-se numa pequena queda d'água numa floresta. Ela evoca uma intensa impressão de um rio transbordando por uma pedra, cercado por árvores e folhagens suspensas. Cores vibrantes evocam a serenidade da luz clara do sol e o som da água caindo. A beleza da obra reside na habilidade do artista para expressar uma paz quase espiritual por meio das imagens da floresta e da água. A pintura mostra os elementos mágicos e oníricos típicos do Surrealismo, movimento para o qual Gorky se voltava na época, e a espontaneidade do Expressionismo Abstrato. Nascido na Armênia, Gorky emigrou para os Estados Unidos em 1920. Um crítico referiu-se a ele como sendo um artista no exílio, para quem a arte se tornou uma pátria. Gorky usava com frequência imagens de sua terra natal em suas obras. Depois de anos de pobreza, ele obteve um breve reconhecimento, mas enforcou-se depois de sofrer sérios traumas psicológicos.
Bibliografia: O livro da Arte; Martins Fontes.

EXPRESSIONISMO AUSTRÍACO

Oscar Kokoschka

A TEMPESTADE OU A NOIVA DO VENTO
As pinturas de Kokoschka são executadas com uma multiplicidade de tons sugerindo em geral sentimentos como ansiedade e ira. Sua arte inovadora foi reprimida pelos nazistas durante a guerra. As violentas pinceladas parecem ao mesmo tempo espontâneas e desordenadas, mas por trás delas há controle, reunindo as cores discordantes num todo estruturado. O exagero e a distorção das cores para transmitir emoções profundas fazem desta obra um exemplo excelente do Expressionismo, movimento com o qual Kokoschka era comprometido. Em 1934, a situação tensa na Alemanha forçou-o a sair da Áustria e ir para Londres, onde morou até se estabelecer na Suíça, em 1953.

Expressionismo Francês

Amadeo Modigliani
" Quando eu conhecer sua alma, abrirei seus olhos"

O nu era o tema pictórico principal de Modigliani . As linhas alongadas e angulosas e a qualidade escultural do corpo da modelo são típicas da obra do artista. Ele desenvolveu um estilo individual e restrito de pintura e não se ligou intimamente a nenhum movimento, embora tenha sido profundamente influenciado pelo Cubismo, pela escultura africana e pela obra de Paulo Cézanne. Pintor e escultor, tinha um ritmo de vida exaustivo. Nascido na Itália em 1906 e lá passou o resto de sua vida, bastante curta. Quando morreu de tuberculose, aos 34 anos, sua namorada, Jeanne Hébuterne, cometeu suicídio.

Chaim Soutine

Manchas espessas de tinta animam a superfície dos quadros de Soutine. As formas distorcidas e o colorido agitado dão um ar de vivacidade . O estilo turbulento de Soutine foi influenciado pela expressiva obra de Vincent van Gogh, embora ele declarasse não gostar do trabalho do holandês. De fato, Soutine desdenhava a obra de seus contemporâneos e era indiferente aos experimentos dos fauvistas e dos cubistas. Preferia pintar em seu próprio estilo e declarava ter afinidade com os mestres antigos, como Rembrandt. Nascido na Lituânia, Soutine mudou-se para Paris em 1913. Seus temas mais frequentes eram naturezas mortas, paisagens tempestuosas - com nuvens negras e árvores agitadas - e retratos reveladores de criados e padeiros. O movimento carregado e as pinceladas impulsivas de sua obra prenunciam o estilo livre de Willem de Kooning e encarnam o espírito conhecdo como Expressionismo..

Trabalhos do grupo

Reflexão a partir da percepção.
Foi proposto ao grupo que estudasse um artista do Impressionismo ou Pós-Impressionismo. Após este estudo, baseado na percepção de cada um, eles teriam que executar um trabalho plástico e formal aliando tais percepções às suas buscas pessoais.
Que fique claro que não são cópias e/ou releituras; são trabalhos individuais que tem uma ligação perceptiva com os artistas propostos.
Eis alguns resultados até o momento:

Tө♪♪♪

Queria eu...

Queria eu, ser um poeta.

Poder exprimir em versos

O que transborda no meu peito

Queria eu, ser como os pássaros.

E cantar o vento que escuto Pelo caminho

Queria eu, ser como os anjos.

E com harpas tocar Os “tons” da tela

Queria eu, ser um músico.

E com acordes Compor um hino

Um hino, que soasse pelo mundo.

E como um Arco Íris, levar meus sonhos.

Aos quatro cantos da Terra.

Angela Nesti

Pós-Impressionismo

PÓS-IMPRESSIONISMO
O Pós- Impressionismo foi um fenômeno francês, incluindo os artistas franceses Seurat, Gauguin, Cézanne, Toulouse-Lautrec e o holandês van Gogh, que criou a maior parte de sua obra na França. Os Pós - Impressionistas desenvolveram suas carreiras de 1880 a 1905 e seus estilos derivaram das rupturas com os impressionistas. Os pós - impressionistas sentiam-se insatisfeitos em relação aos impressionistas, pois desejavam que a arte fosse mais substancial, não somente dedicada a captar um momento passageiro. Seurat e Cézanne se concentraram do desenho formal, quase científico - Seurat com sua teoria dos pontos e Cézanne com os planos de cor. Gauguin, van Gogh e Lautrec, como os românticos da última hora, enfatizaram a expressão de suas emoções e sensações através de cor e luz. A arte do século XX, com seus extremos de estilos individuais do Cubismo ao Surrealismo, nasceu dessas duas tendências.

Arte Comentada; Carol Strickland, Ediouro

Artista: SEURAT
Tema: Atividades de lazer em Paris
Assinatura: Cores vivas em pontos minúsculos ( pontilhismo )
Tipo: científico, lógico
Preocupação: Sistema de mistura ótica no olho do receptor
Marcas: Superfície granulada, figuras estilizadas em aura de luz; desenho chapado, preciso

Artista: TOULOUSE LAUTREC
Tema? Vida noturna de cabaré
Assinatura: Primeiros cartazes artísticos usados para propaganda
Tipo: Decadente, febril
Preocupação: Malaise de fin-de-siècle
Marcas: Desenho esboçado, centro vazio e figuras cortadas na margens; cores fantásticas, de interior e fora de tom, caricaturas, máscaras

Artista: CÉZANNE
Tema: Naturezas-mortas com fruta, paisagens de Mont S.Victorie
Assinatura: Ênfase protocubista na estrutura geométrica
Tipo: Analítico, estável
Preocupação: Ordem permanente subjacente
Marcas: Desenho equilibrado; manchas chapadas quadradas, de cor em gradações de tom; formas geométricas simples

Artista: GAUGUIN
Tema: Nativos do Taiti, camponeses na Bretanha
Assinatura: Primitivismo exótico
Tipo: Simbólico, misterioso
Preocupação: Cor viva para expressar emoção
Marcas: Formas simplificadas em cores não-naturais, contornos fortes em padrões rítmicos

Artista: VAN GOGH
Tema: Auto - Retratos, flores, paisagens, naturezas-mortas
Assinatura: Pinceladas agitadas, em espiral
Tipo: Apaixonado, vibrante
Preocupação: Reação emocional ao tema através da cor, pincelada
Marcas: Impasto grosso em pinceladas cortadas ou faixas onduladas; formas simples em cores puras, brilhantes; rítmos em caracol sugerindo movimento

Impressionismo

IMPRESSIONISMO
O movimento conhecido como Impressionismo marcou a primeira revolução artística total desde a Renascença. Nascido na França no início dos anos 1860, durou apenas até 1886. Mas determinou o curso da maior parte da arte que se seguiu. O Impressionismo rejeitou a tradição, deixando de usar sistematicamente a perspectiva, a composição equilibrada, as figuras idealizadas e principalmente o chiaroscuro da Renascença. Ao invés disto, os impressionistas representaram sensações visuais imediatas através da cor e da luz.
Seu principal objetivo era apresentar uma "impressão" da luz sobre tudo. Perceberam que a cor não é uma característica intrínseca e permanente, mas muda constantemente de acordo com os efeitos da luz, do reflexo ou do clima sobre a superfície do objeto. Para mostrar estas qualidades voláteis da luz, eles criaram uma pincelada distinta, curta, pontual; borrões irregulares que vibravam energia como o brilho da luz sobre a água. A uma certa distância, porém, estes borrões e manchas se fundiam dando formas mais ou menos definidas de objetos ou qualquer outra coisa retratada.

MANET
" O artista procura simplismente ser ele mesmo e mais ninguém."

Atualizou temas dos antigos mestres, pintou cenas contemporâneas com visão crítica.
manchas escuras contra a luz; usava o preto. fase final: colorido.
Formas simplificadas com um mínimo de modelo, manchas de cor chapada com contorno preto.

MONET
" Tente esquecer que objetos tem a sua frente, árvore, casa, campo, ou o que for. Pense apenas: Aqui está um quadradinho azul...pinte exatamente como você vê."

Paisagens marinhas, séries sobre papoulas, rochedos, montes de feno, Catedral de Rouen, ninféias, tons solares, cores primárias puras ( sombras coloridas com cores complementares )
dissolvia a forma em luz e clima, contornos suaves, ar impressionista clássico

RENOIR
" Pinte com alegria, com a mesma alegria com que faria amor com uma mulher."

Nus femininos com pele de pêssego, o café-society, crianças, flores
vermelhos ricos, cores primárias, sem preto, usava o azul no lugar
início: pinceladas rápidas, figuras manchadas final: estilo mais clássico, nus solidamente formados.

DEGAS
" Mesmo quando trabalha a partir da natureza, a pessoa tem que compor."

Pastel de figuras humanas: bailarinas, corridas de cavalos, café-society, lavadeiras, circo, nus no banho
tons vistosos no início, tons pastel no final.Ângulos não convencionais com figuras amontoadas na beira da tela, composição assimétrica com vazio no centro.

O PRIMEIRO IMPRESSIONISMO: ( 1862 - 86 )
Elenco Original: Manet, Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley, Morisot, CassattTemas: paisagens ao ar livre, beira de mar, ruas e cafés parisiensesPropósito: retratar sensações visuais imediatas de uma cena.
CONTRIBUIÇÕES:
Depois do Impressionismo, a pintura nunca mais seria a mesma. Os pintores do século XX ou expandiram sua prática ou reagiram contra ela. Desafiando a convenção, esses rebeldes estabeleceram o direito do artista de experimentar com estilo pessoal. Acima de tudo, permitiram que a luz da natureza e a vida moderna brilhassem através das sombrias tradições seculares.
Os princípios básicos da pintura impressionista são os seguintes:
1. A COR É UMA QUALIDADE PERMANENTE NA NATUREZA:
As tonalidades estão sempre mudando. A cor resulta, portanto, da luz que os corpos recebem. A cor de um objeto muda do amanhecer ao anoitecer, pois depende do ângulo de incidência dos raios solares.
2. A LINHA NÃO EXISTE NA NATUREZA:
A linha é uma abstração criada pelo espírito do homem, para representar as imagens visuais. A linha para o impressionista é dada pelo encontro de duas superfícies coloridas de tonalidades diferentes. A linha não é o contorno. Ele passa a ser impreciso ou diluído, parecendo uma fotografia fora de foco.
3. AS SOMBRAS NÃO SÃO PRETAS, NEM ESCURAS, SÃO LUMINOSAS E COLORIDAS:
Para os impressionistas, uma sombra preta ou escura não era aceitável, pois tudo está banhado pela luz solar. E onde há luz não há a cor preta, pois o negro é a ausência completa de luz.
4. A APLICAÇÃO DOS REFLEXOS LUMINOSOS OU DO CONTRASTE DAS CORES:
As cores se influenciam reciprocamente, obedecendo à lei das complementares. A complementar de uma cor é outra cor que a torna mais pura, intensa e vibrante, quando justaposta ou aproximada. Então temos:
A complementar do vermelho é o verde e vice-versa. A complementar do amarelo é o violeta. A complementar do azul é o laranja. Normalmente os impressionistas usavam complementares nas sombras em contraste com as partes iluminadas.
5. A DISSOCIAÇÃO DAS TONALIDADES OU A MISTURA ÓTICA DAS CORES - PONTILHISMO:
Para obter leveza e brilho das cores, os pintores impressionistas resolveram produzir as cores conforme a natureza as produz à luz do sol. A luz branca contém sete cores: azul, vermelho, amarelo, verde, laranja, violeta e índigo. Os pintores resolveram produzir as cores misturando as cores primárias, juntando duas pinceladas. Por exemplo: misturar o azul e o amarelo para produzir o verde. Eles dissociavam a cor, dividiam as cores e davam pinceladas miudinhas para alcançar a cor desejada.

Renascimento

Xilogravuras

Nirley Veloso

Fátima Ferreira

Danielle Spada

Beth Queiroz

Marilene Matteini

Regina Nesti

Carmen Schettini

Angela Nesti

Nelson Gabriel

Paula Alves

Ana Iannibelli

Romantismo